Показаны сообщения с ярлыком Париж. Показать все сообщения
Показаны сообщения с ярлыком Париж. Показать все сообщения

понедельник, 19 июня 2017 г.

Фернан Кормон - «Каин»

Фернан Кормон (1845−1924). Каин. Исполнено в 1880 г. Холст, масло 380 х 700 см. Музей Орсе, Париж (Приобретено государством в 1880 г.)

Из альманаха «Великие музеи мира» №5 «Музей Орсе. Париж»:
Далекое от полированной красоты Венеры Бугро, выставленной на год раньше, это монументальное полотно Кормона импонировало публике в Салоне 1880 года, слегка наделав шуму из-за размера, новизны сюжета, и, прежде всего, сурово реалистического стиля. Сцена вдохновлена библейской историей о Каине, который бежит со своим племенем после убийства брата Авеля. Однако больше чем смысл повествования Кормона интересует изображение воображаемой доисторической эпохи. После классической античности, средневековья и Возрождения в число сюжетов исторической живописи входит и происхождение видов. Неслучайно именно в эти годы в дополнение к растущей популярности теории Дарвина происходит открытие наскальных рисунков пещеры Альтамира. Дарвиновское происхождение сюжета отметила также и критика того времени, которой было тяжело примириться с показной грубостью персонажей и жестокостью изображения. Художник сосредоточивается на дикости людей, их зверином поведении, изображении их кожи, опаленной солнцем. Холст Кормона, бывший долгое время предметом подражания, поражает своим мелодраматическим тоном и силой картины в целом.
Симона Бартолена
Благодаря своим работам на доисторическую тематику, Кормон получает заказ на украшение стен и потолков Музея естественной истории в Париже, со сценами, которые рассказывают об эволюции человечества. Его стиль, одновременно реалистический и мелодраматический, чувствительный к деталям и способствующий приданию театральности всему изображению, как раз хорошо подходит для декораций такого типа.



понедельник, 12 июня 2017 г.

Эдуард Мане - «Олимпия»

Эдуард Мане. Олимпия 1863 г. Холст, масло 130,5 х 190 см. Музей Орсе, Париж. Дар государству по результатам подписки, инициированной Мане, 1890 г.

Из альманаха «Великие музеи мира» №5 «Музей Орсе. Париж»:
Когда утих скандал, вызванный «Завтраком на траве», Мане снова пытается в 1865 году попасть в Салон с этим новым, в равной степени вызывающим смущение, холстом. «Олимпия» - это современная версия Венер Тициана и, одновременно, антитеза академической обнаженной натуры. Мастер не случайно ставит эту картину рядом с полотном «Христа, осмеиваемого тремя солдатами» (1865 г., Чикаго, Художественный институт). Таким образом Мане делит лавры с венецианским мастером, который подарил Карлу V Венеру вместе с Христом в терновом венце. Позирует снова Викторина Меран. Узнаваемая личность натурщицы, случайная поза, дерзкий и уверенный взгляд, показная нагота, ничуть не идеализированная, модные драгоценности (которые способствуют соотнесению сцены с современной эпохой), присутствие черного кота у ног женщины, делают «Олимпию» неприемлемой для широкой публики и критиков. Добавим сюда выбор названия. Олимпия -это «сценический псевдоним» многих проституток того времени. В свою очередь, Эмиль Золя, друг и почитатель Мане, пытается защитить его с помощью убийственного памфлета, в котором автор выдвигает на первый план чрезвычайную новизну работы. Данное полотно - это прекрасный образец живописного дарования Мане, особенно его способности точного сопоставления светлых и темных тонов, игры тонкими нюансами коричневого. Изысканные цветовые решения достигают высшей выразительности в сопоставлении с колоритом фона, на котором прорезывается фигура негритянки, принесшей главной героине букет цветов.
Симона Бартолена

О Мане и его картине Из книги "Великие художники" Роберта Камминга:

Эдуар Мане так и не осуществил свою мечту получить официальное признание как наследник старых мастеров. Родившийся в зажиточной парижской семье, он идеально подходил на эту роль. Красивый, очаровательный, сильный, умный и очень талантливый, он чувствовал себя в обществе как рыба в воде. Он учился у одного из самых уважаемых парижских мастеров Тома Кутюра (1815—1879) и приложил много усилий к тому, чтобы его заметили в Салоне. Он желал одобрения консервативного общества той эпохи, но его современный подход пришелся не ко двору. В итоге постоянные отказы и резкие отзывы подкосили его, и в 1871 г. у него случился нервный срыв. При этом Мане близко дружил с авангардными художниками и писателями, восхищался современным городом с его коммерцией и удовольствиями: клубами, путешествиями, товарами и услугами. К сожалению, испробовав все, он умер от сифилиса в возрасте 51 года.
Успех наконец пришел к Мане после 1871 г. Он удостоился благосклонных отзывов в Салоне, а торговец Дюран Рюль купил у него 30 работ. Незадолго до смерти Мане получил орден Почетного легиона.
Мане считал «Олимпию» своей лучшей работой и не продавал ее. После его смерти ее выставили на аукцион, но покупателя не нашлось. В 1888 г. Сарджент (с. 92) узнал, что вдова Мане собирается продать картину американскому коллекционеру, и предупредил Моне, который устроил сбор средств на ее приобретение для Лувра.

Когда Мане было 18 лет, у него начался долгий роман с его преподавательницей фортепиано Сюзанной Леенхоф, и в 1852 г. у них родился сын. При людях они делали вид, что ребенок — брат Сюзанны, а Мане - его крестный. Они поженились в 1863 г., когда отец Мане умер, оставив ему наследство.
ОЛИМПИЯ 
 Эта картина была выставлена в Парижском салоне 1865 г., спустя два года после ее создания. Мане с тревогой ожидал реакции публики, ведь его знаменитый «Завтрак на траве» в свое время вызвал скандал. «Олимпия» вызвала шквал гневных протестов. В ней увидели не современное толкование известного сюжета, а корявую пародию на священную традицию. Всем было очевидно, что обнаженная дама — не богиня, а проститутка.
Мане много путешествовал. После провала «Олимпии » он отправился в Испанию. Как многие художники его поколения, он был восхищен работами Веласкеса и Гойи, которые тоже писали лежащих обнаженных.
Детали:
Четкие контуры 
Прямолинейная манера показывает Мане с лучшей стороны и соответствует откровенности сюжета. Он использует смелую композицию с четкими контурами. Игры светотени практически нет. Тонких деталей тоже нет, но цветовая гармония безупречна. Некоторые критики сочли эту манеру просто неумелой по сравнению с Энгром, назвав работу «картинкой с игральной карты».
Викторина Меран 
 В качестве натурщиков Мане обычно призывал друзей и близких. Здесь он нанял профессиональную натурщицу, 30-летнюю Викторину Меран. Она сама стала художницей, но к концу жизни спилась.
Следующий клиент 
 Служанка вносит букет, подаренный предыдущим поклонником, но Олимпия не обращает на нее внимания. Она готова к следующему клиенту - зрителю картины. Она смотрит ему прямо в глаза, как и кот, разбуженный нашим прибытием.
Сюжет старых мастеров 
 Образ лежащей обнаженной — один из самых традиционных в живописи. Мане знал, что его аудитория уловит отсылку к «Спящей Венере» Джорджоне.
Натюрмортная деталь
 Мане был мастером натюрмортов, которые часто писал ради своего удовольствия. Букет цветов — символ наслаждений, предлагаемых Олимпией.
Черный цвет 
 Черный пигмент - один из самых сложных в применении, поскольку он может запросто подавить все прочие цвета. Мане — мастер черного цвета: он умел использовать его для придания работам тональности и изящества. Мане, уделявший много внимания одежде, часто носил черный сюртук и шелковый цилиндр по моде того времени.
Современная женщина
Творение Мане — не богиня Венера, а юная женщина в узнаваемой роли. Она нетерпеливо покачивает тапкой на кончике ноги. На ней нет ничего, кроме жемчужин на шее и в ушах и орхидеи в волосах. Респектабельные женатые мужчины тех лет часто (пусть и тайно) посещали проституток

понедельник, 5 июня 2017 г.

Эдуард Мане - «Завтрак на траве»

Эдуард Мане. Завтрак на траве 1863 г. Холст, масло, 208 х 264 см. Музей Орсе в Париже (дар Этьена Моро-Нелатона, 1906 г.)
Из альманаха «Великие музеи мира» №5 «Музей Орсе. Париж»:
В 1863 году жюри Салона было очень суровым. Три пятых из представленных к отбору картин были отвергнуты. Император Наполеон III решил дать «отверженным» второй шанс, предоставив им возможность экспонироваться отдельно. Это событие получило название Салон Отверженных. Среди картин, выставленных в Салоне Отверженных, были работы Джеймса Макнейла Уистлера, Анри Фантен-Латура и Эдуарда Мане. Последний этим блистательным холстом шокировал общественное мнение. Переводя на современный лад «Сельский концерт» Тициана и «Суд Париса» Рафаэля, «Завтрак на траве» изображает любимую модель художника, Викторину Меран, в сопровождении второй женщины и двух мужских фигур (для одной из которых позировал брат художника, Эжен). Критики и благонамеренная публика, будучи не в состоянии понять отсылки художника и воспринять превосходное качество живописи Мане, признали сюжет аморальным и оскорбительным. Неприемлемой сцену сделала современная обстановка, недвусмысленно подчеркнутая одеждой обоих мужчин по тогдашней моде. Создавая холст, Мане не думал вызвать обрушившийся на него скандал, наоборот, совершенно не был к нему готов. Он просто хотел создать работу одновременно классическую и современную, построенную на образцах великих мастеров Чинквеченто.
Симона Бартолена

Позы персонажей взяты с гравированной копии «Суда Париса» Рафаэля. Но истинным образцом Мане были холсты великих венецианских мастеров Чинквеченто. Среди них - «Сельский Концерт» Тициана. Частый посетитель Лувра, Мане увлеченно изучал мастеров прошлого.
Эдуард Мане считал натюрморт «пробным камнем живописи», необходимым испытанием для каждого хорошего художника. Подробное изображение остатков завтрака (корзины фруктов, хлеб и бутылки), вывернутых на одежду Викторин, разбросанных в беспорядке на лугу, свидетельствует о необыкновенном мастерстве художника в этом жанре.
Женщина притягивает взгляд зрителя и, кажется, хочет бросить ему вызов. В ее решительном и спокойном взгляде нет ни малейшего признака стыда из-за наготы. Такое ее выражение, безусловно, еще увеличило скандал, возникший вокруг холста. Мало кто отметил превосходное живописное качество произведения, прекрасное свидетельство способности Мане к переводу на современную грамматику языка классиков.
З.Ы. От себя добавлю, что сейчас для того, чтобы шокировать публику от художника требуется нечто иное, хотя бы прибить свои причиндалы к мостовой или что-то в этом роде.  

среда, 29 марта 2017 г.

Винсент Ван Гог - «Доктор Поль Гаше»

Винсент Ван Гог (1853-1890). Доктор Поль Гаше. Исполнено в 1890 году. Холст, масло 68 х 57 см. Музей Орсе, Париж (Дар Поля и Маргариты Гаше, 1949 г.)
Из альманаха «Великие музеи мира» №5 «Музей Орсе. Париж»:
Весной 1890 года Тео сообщает брату Винсенту имя человека, который может ему помочь. Это доктор Поль Гаше, который живет в Овер-сюр-Хаз и имеет определенную страсть к искусству, как художник-любитель и как коллекционер. Художник, желая избавиться от частых приступов тревоги, немедленно отправляется в Овер. Первое впечатление не самое лучшее, Гаше кажется ему эксцентриком, не заслуживающим доверия и даже нуждающимся в помощи, как и он сам. Но это суждение быстро сменяется на противоположное. В своих письмах Ван Гог называет Гаше «настоящим другом», «новым братом» и даже «папой».
В письме к Гогену художник объясняет, почему он приписывал Гаше «скорбное выражение нашего времени». Образ доктора - гораздо больше, чем просто портрет, это символ, представление на холсте того, чем врач был для Ван Гога. А был он, прежде всего, прекрасным другом, которого Винсент напрасно искал в Гогене. А также - второй половинкой души, его новым авторитетом, воплощением его идеалов. Гаше, знаток искусства, привыкший к новизне стиля таких художников, как Писсарро и Сезанн, с которыми он встречался ранее, высоко ценит произведения Ван Гога и способен понять его неординарную личность.
С удивительной непосредственностью Ван Гог сопоставляет дополнительные цвета, усиливая их. Портрет доктора Гаше строится на сочетании синих тонов куртки врача и фона с ярко-оранжевым цветом стола.
Симона Бартолена

среда, 22 марта 2017 г.

Винсент Ван Гог - «Церковь в Овер-сюр-Уаз»

Винсент Ван Гог (1853-1890). Церковь в Овер-сюр-Уаз. Исполнено в 1890 г. Холст, масло 94 х 74,5 см Музей Орсе, Париж (приобретено с помощью доктора Поля Гаше и анонимного канадского дарителя в 1951 году).
Из альманаха «Великие музеи мира» №5 «Музей Орсе. Париж»:
Ван Гог написал эту картину в Овер-сюр-Уаз, селении, облюбованном еще импрессионистами и Полем Сезанном, куда он отправился, чтобы встретиться по предложению своего брата Тео с доктором Гаше. Ван Гог останется в Овере с 21 мая 1890 года до самой своей смерти, случившейся по причине самоубийства 29 июля того же года. За этот довольно короткий период времени Ван Гогу удается создать семьдесят картин и множество рисунков. Но. толь ко одна из этих картин посвящена церкви Овера, внушительному зданию XIII века. Чтобы понять новизну и оригинальность стиля Ван Гога, достаточно сравнить этот зрительный образ, вылепленный красками, с Руанскими соборами, написанными Моне несколько лет спустя. Хотя серия Моне имеет более позднюю датировку, при сравнении очевидна вся новизна Ван Гога, который не стремится передать на холсте реальность, или зрительное впечатление от реальности, но пытается выразить состояние собственной души по отношению к сюжету. Оставаясь узнаваемой, церковь полностью изменена инстинктивными движениями кисти Ван Гога в идеальном синтезе действительности и воображения, внешне го и внутреннего миров.
Ван Гог пишет материальными ударами кисти, плотными и вихреобразными. Цвета выбраны инстинктивно и сопоставлены, с превосходным результатом, в соответствии с законами, которых Ван Гог не учил, но применяет в совершенстве, спонтанно, следуя своей интуиции.
Симона Бартолена

понедельник, 1 апреля 2013 г.

Поль Гоген (1848-1903)

Художник Поль Гоген (1848-1903). Французская школа. Автопортрет (Отверженные). Исполнен в сентябре 1888 г. Холст, масло 45 х 55 см. Музей Ван Гога. Амстердам.
Из журнала "Великие музеи мира" № 4 "Музей Ван Гога. Амстердам":
Это одна из самых знаменитых картин, написанных парижским художником. Гоген посылает Ван Гогу, который предложил ему обменяться автопортретами, это полотно, посвященное «другу Винсенту», из Британии, где он находится с группой молодых товарищей, среди которых есть и Эмиль Бернар. Он сам изображен слева от Бернара, написанного в профиль справа. Художник комментирует работу в одном из писем торговцу Шуффнекеру в следующем месяце: «Я чувствую потребность объяснить, что я намеревался сделать... Я надеваю маску плохо одетого и сильного, как Жан Вальжан, бандита (персонаж романа «Отверженные» Виктора Гюго), который обладает благородством и доброй душой... Рисунок глаз и носа, напоминающий цветы, вышитые на персидском ковре, придает картине абстрактный и символический характер. Нежный фон с цветами, написанными по-детски, свидетельствует о невинности нашего искусства... У вас есть как мое изображение, так и портрет всех нас, бедных жертв общества, которому мы мстим, делая добро». Ван Гог не особо оценил работу, которая воплощает отличительные черты стиля Гогена, а именно: нетрадиционную композицию, уплощение цвета и минимальное использование пластики света, контурные линии, придающие декоративность формам.
Паула Рапелли
Художник Поль Гоген (1848-1903). Французская школа. Прекрасная Анжела. Картина исполнена в 1889 году. Холст, масло. 92х73 см Музей Орсе. Париж
Из журнала "Великие музеи мира" № 5 "Музей Орсе. Париж":
Молодая женщина, изображенная на этой картине, - это Анжелик Сартр, дочь владельцев кафе, куда Гоген в то время часто заходил. Гоген вполне справедливо утверждал, что данная работа является лучшим его портретом. Однако модель была разочарована, увидев полотно, и отвергла произведение, не будучи в состоянии понять его необычайную новизну. Эта работа знаменует собой важный шаг в творческой карьере Гогена и обозначает его окончательный отход от живописи в духе импрессионизма. Это был постепенный, но неизбежный разрыв, уже хорошо угадывающийся по некоторым картинам 1888 года. В первую очередь, по картине «Борьба Иакова с ангелом» (Национальная галерея Шотландии. Эдинбург). «Прекрасная Анжела» - это антинатуралистический портрет, сложный и глубоко запоминающийся. Идея вписать молодую девушку в круг идет от японской гравюры, которую Гоген тщательно изучает. Круглая форма позволяет разместить рядом с фигурой далекие от сюжета элементы. Если фон взят из японского искусства, статуэтка слева напоминает о мирах первобытных и экзотических. Картина выходит за рамки классического понятия о портрете и является выражением нового способа понимания искусства и жизни.
Гоген сближает примитивную перуанскую скульптуру с фигурой Анжелы в традиционной бретонской одежде, устанавливая параллели двух миров: дикарской чистоты первобытных цивилизаций и первородной религиозности народа Бретани.
Симона Бартолена
Художник Поль Гоген (1848-1903). Французская школа. Женщины Таити (на пляже). Картина написана в 1891 г. Холст, масло. Холст, масло 69x91,5 см. Музей Орсе. Париж
Из журнала "Великие музеи мира" № 5 "Музей Орсе. Париж":
В апреле 1891 года Поль Гоген отправляется на Таити. У него есть множество причин, чтобы уехать так далеко, самым настоящим образом убежать от цивилизации, в поисках новых горизонтов. Гоген находит на Таити то, что он тщетно искал в Бретани и на юге Франции. Мечты о жизни в обществе дикарей, руководствующихся инстинктами, но свободных от буржуазных порядков, царящих в старой Европе, привлекают, в конце концов, многих художников того времени. Новыми музами Гогена становятся местные женщины, которые превосходно воплощают идеалы художника. Его манят магическое и двойственное соединение плотской красоты и нетронутости, соблазнительной телесности и первозданной чистоты. Гоген изображает женщин обернутыми в красочные парео, со стилизованным линейным рисунком. Женщины написаны в естественных позах, скрывающих повторения поз статуй буддийских храмов или Древнего Египта. Несмотря на показную дикарскую простоту собственного художественного творчества, Гоген является интеллектуалом. Его творения скрывают в себе сложные культурные аллюзии, системы символов и уровни интерпретации, совершенно неясные для тех, кто не обладает подходящими ключами для их прочтения. Поэтому, вполне понятны суждения современников, которые, за редким исключением, не могли принять новой вселенной мастера, этого рая, по выражению Стриндберга 5 одном из писем к художнику, где обитает «Ева, которая не является моим идеалом».
Симона Бартолена

Кстати, сегодня дата - 1 апреля 1891 года Поль Гоген отплыл на Таити из порта Марселя. 

Некоторые другие картины художника можно увидеть по ссылке Поль Гоген (1848-1903).

понедельник, 21 мая 2012 г.

Берта Моризо (1841-1895)

Берта Моризо на картине Эдуарда Мане "Балкон"
Очаровательная Берта Моризо, окутанная белым облаком платья, позирует с задумчивым взглядом, «Она скорее странна, чем плоха», - пишет она сестре Эдмс, увидев картину, вы ставленную в Салоне, - «Похоже, что эпитет «роковая женщина» бродил среди любопытствующих зрителей»
Эдуард Мане. Балкон 1868-1869 гг. Холст, масло 170 x124,5 см. Музей Орсе. Париж
Из журнала "Великие музеи мира" № 5 "Музей Орсе. Париж": 
Картина изображает художницу Берту Моризо, подругу и будущую невестку Эдуарда Мане, и молодую виолончелистку Фанни Клаус в сопровождении художника Антонена Гийеме. За группой виден домашний интерьер и молодой слуга, для которого позировал Леон, сын художника. Мане весьма умело передает через изысканную игру коричневых тонов как глубину комнаты, так и буржуазную атмосферу. Замечательна и композиционная идея была явно навеянная «Махами на балконе» испанца Франсиско Гойи, одного из самых любимых и тщательно изученных художников Мане. Картина как бы перерезана пополам геометрическими голубыми перилами на переднем плане. Как обычно, Мане построил холст на контрастах цвета, точно сопоставляя девственную белизну одежд двух женщин с коричневыми тонами костюма мужчины, а также фона. Ломает равновесие белых и черных тонов только употребление еще одни го цвета - голубого цвета перил и ставней. Холсты, подобные этому, оказали огромное влияние на виде ние таких художников, как Клод Моне, внеся ценны и вклад в формирование стиля импрессионизма.
Симона Бартолена
Берта Моризо (1841-1895). Сестра художницы у окна. Холст, масло 54, 8х46,3 см. Национальная галерея искусств. Вашингтон
Из журнала "Великие музеи мира" №9  "Национальная галерея искусств. Вашингтон":
"Берта Моризо изобразила свою сестру Эдму Понтильон, в дом которой в Лорьенте она отправилась впервые после ее недавнего замужества в 1869 году. Молодая мадам Понтильон изображена сидящей в кресле у открытого окна-двери, что позволило художнице привнести в работу некоторые темы, дорогие сердцу ее соотечественников-импрессионистов. Прежде всего, это свет, который из открытого окна попадает в дом, а также простая домашняя сцена и изображение интерьера буржуазного дома, из которого можно вычленить некоторые элементы, например, кресло, маленький письменный стол и обои на стенах. Вероятно, в памяти Берты Моризо еще жива была недавняя работа Мане, где она сама позировала, («Балкон», музей Орсэ, Париж), с которой в этом произведении чувствуется некоторая аналогия. Основное внимание в картине молодой художницы-импрессионистки уделено анализу света, тому, как он проникает в комнату сквозь окно и меняется на белом платье модели, которая представлена не в особой позе, а просто играющей с собственным веером. Картина была выставлена в Салоне 1870 года, вызвав большой успех, несмотря на то, как заметила Берта, что она была расположена неудачно. Распахнутое окно-дверь является фундаментальным в этой композиции, позволяя свету проникнуть глубоко внутрь дома, в то время, как в глубине внутреннего пространства мелкие детали помогают определить место: решетка из кованого железа, украшенная пестрыми цветами."
Роза Джорджи
Berthe Morisot (1841-1895). Bain. Oil on canvas. 54.3 x 65.1 cm. Painted in 1894 - Берта Моризо (1841-1895). Ванна. Холст, масло. 54,3 х 65,1 см. Картина написана в 1894 году

Berthe Morisot (1841-1895). Etude au bord de l'eau. Oil on canvas. 60 x 73.4 cm. Painted in 1864 - Берта Моризо (1841-1895). Этюд на берегу. Холст, масло. 60 х 73,4 см. Картина написана в 1864 году

Berthe Morisot (1841-1895). Fillettes à la fenêtre (Jeanne et Edma Bodeau). Oil on canvas. 65.5 x 49 cm. Painted at Château du Mesnil, 1892 - Берта Моризо (1841-1895). Девушки у окна (Жанна и Эдма Боде). Холст, масло. 65,5 х 49 см. Картина написана в Шато дю Мениль, в 1892 году

Berthe Morisot (1841-1895). Jeune fille écrivant. Oil on canvas. 73.3 x 68 cm. Painted in 1891 - Берта Моризо (1841-1895). Рисующая девушка. Холст, масло. 73,3 х 68 см. Картина написана в 1891 году

Berthe Morisot (1841-1895). Paysage. Oil on canvas. 37.8 x 46.1 cm. Painted in 1882 - Берта Моризо (1841-1895). Пейзаж. Холст, масло. 37,8 х 46,1 см. Картина написана в 1882 году
Работы Берты Моризо довольно высоко ценятся коллекционерами. На аукционах цена на её картины колеблются от 200 тысяч до полутора миллионов долларов. Понятно, что приобрести их может далеко не каждый желающий. Однако желающие порадовать своих близких и друзей оригинальным подарком могут заглянуть в магазин Комод, где обнаружат массу стильных вещиц.
См. также:
Художник Берта Моризо (1837-1887) - «Колыбель».

среда, 7 октября 2009 г.

Берта Моризо (1837-1887) - «Колыбель»

Художник Берта Моризо (1837-1887), Французская школа. «Колыбель». 1872 г. Холст, масло. 56х46 см. Музей Орсе, Париж. Приобретено у Лувра в 1930 году
Из журнала "Великие музеи мира" №5 "Музей Орсе. Париж":
"Представленная на первой выставке импрессионистов в 1874 году, «Колы бель» стала шедевром Берты Моризо. Тема материнства и семьи очень близ ка художнице, которая как раз в том же году вышла замуж за Эжена Мане и родила ему дочь Жюли. Вселенная частных переживаний Моризо рожда ется с трогательной напряженностью и свежестью. Изображенная женщина - это ее сестра Эдма, в момент уми ротворенного созерцания своей до чери Бланш. Берта пытается уловить сладость и интимность момента во взгляде женщины, в ее руке, теребя щей край полога, безмятежных чертах ребенка, который спит, скрытый завесами колыбели. Внутренняя сила и на строение этой простой сцены частной жизни таковы, что некоторые готовы были видеть в этом произведении со временную трактовку темы Рождества. Прекрасный образец импрессионизма, эта работа напоминает о том, что художница происходит из утонченной и образованной среды. Выбор красок и общая мягкость говорят об уроках, взятых у Камиля Коро, ее учителя. Полотно напоминает живопись XVIII ве ка в духе Фрагонара, который, кстати, является Моризо далеким предком со стороны матери. В то же время, в раз работке сцены, в игре на контрастах темных тонов и на акцентах белого выявляется весомое влияние близкого друга художницы Эдуарда Мане."
Симона Бартолена

вторник, 14 июля 2009 г.

Бернар Бюффе ( Bernard Buffet) (род. 1928) - «Канал Сан-Мартен»


Художник Бернар Бюффе ( Bernard Buffet) (род. 1928), Французская школа. «Канал Сан-Мартен» 1956. Коллекция Мишель Гарнье, Париж

воскресенье, 12 октября 2008 г.

Поль Гоген (1848-1903) - "Белая лошадь"

Гоген (Gauguin) Поль (1848-1903), французский живописец. Один из главных представителей постимпрессионизма, близкий к символизму и стилю модерн, использовал синтетические обобщения и упрощение цвета и линий. В декоративных, эмоционально насыщенных по цвету, статичных по композиции плоскостных полотнах, главным образом на темы быта и легенд народов Океании, создал поэтический мир гармонии человека и природы («Брод», 1901, «А, ты ревнуешь?», 1892).
Художник Поль Гоген (1848-1903). Французская школа. "Белая лошадь". 1898 г.  Холст, масло. 141х91 см.Париж, Лувр (Музей Орсе, куда картину передали из Лувра)
Из журнала "Великие музеи мира" № 5 "Музей Орсе. Париж":
В 1895 году Гоген навсегда покидает Европу, чтобы вернуться на острова в Тихом океане, где он умрет восемь лет спустя в пятьдесят пять лет. Он уже серьезно болен: злоупотребление алкоголем усугубляет проблемы с сердцем и усиливает высыпания на коже, которым он часто подвержен. Здоровье художника давно подорвано, к этому добавляется еще и сифилис. Несмотря на физическое состояние, последние годы Гогена характеризуются чрезвычайной творческой активностью. Между 1898 и 1900 годами в Па-пеэте он создает несколько шедевров, в том числе эту картину, отвергнутую заказчиком, неким фармацевтом, которому она предназначалась, в связи с неестественным использованием цвета (особенно из-за зеленой лошади на переднем плане). Продажа картин, в конце концов, никогда не была надежным источником дохода для Гогена, чей стиль трудно согласуется со вкусами европейской публики. В таких композициях, как «Белая лошадь», за кажущейся простотой скрыта густая сеть культурных цитат и символов. Очевидны, например, реминисценции всадников фриза Парфенона, или всадника с гравюры Дюрера «Рыцарь, смерть и дьявол», работы, цитируемой Гогеном во многих случаях. Даже стиль, казалось бы, наивный, на самом деле является плодом долгих поисков.
Зеленый оттенок масти лошади на первом плане, который так сильно шокировал заказчика работы, свидетельствует о неестественном использовании цвета. Но урок Гогена об использовании цвета, который не только не мешает воспроизводить натуру, но дает возможность перевести на холст эмоции, идеи, состояния души художника, будет иметь неоценимое значение для выработки новых языков живописи, от экспрессионизма до абстракционизма.
Фигура всадника - символический элемент, аллегория путешествия в потусторонний мир, близость которого уже чувствует Гоген (несмотря на то, что его жизнь все еще творчески насыщенна). В персонажах Гогена мы часто ощущаем душевную привлекательность, дикую и первозданную нетронутость, которую он пытался найти сперва в Бретани, а потом за океаном.
Цветок на переднем плане подчеркивает отсутствие какой-либо иллюзии перспективы в этой сцене. Двухмерность усугубляется использованием чистых красок, положенных на плоский фон и извилистой, декоративной линией, весьма изысканной, придающей изображению сходство с рисунками парео местных женщин. И именно из сочетания символизма, реальности, сонных видений и декоративных элементов рождается магия произведений Гогена.
Симона Бартолена